mafetzita

ERIK SATIE

ALFRED ERIC LESLIE SATIE

Nace el 17 de mayo de 1866 en Honfleur, Calvados, Francia y muere el 1 de julio de 1925 en París, Francia.

Se presentaba a sí mismo como un Gimnopedista (en 1887, poco antes de escribir su más famosa composición, las Gimnopedias);

Colaboró con artículos en varios periódicos. Se llamaba a sí mismo Fonometrógrafo que se refiere a alguien que mide y escribe los sonidos, prefiriendo definirse así que como Músico.

Puede ser visto como un precursor del serialismo, mucho antes del siglo XX. Apareció en el cine, en 1924, en una película de René Clair llamada Entr’acte.

La juventud de Erik Satie transcurrió entre Honfleur, en la baja Normandía, y París. Cuando tenía cuatro años, su familia se mudó a París, donde a su padre Alfred le ofrecieron un trabajo de traductor. Tras la muerte de su madre (Jane Leslie Anton) en 1872, fue enviado, junto con su hermano menor Conrad, de regreso a Honfleur, para vivir con sus abuelos paternos. Ahí recibió sus primeras lecciones de música de un organista local. Cuando su abuela murió en 1878, los dos hermanos se reunieron en París con su padre, quien volvió a contraer nupcias con una maestra de piano. Desde comienzos de la década de los 80's, Alfred Satie comenzó a publicar composiciones de salón las cuales componia su nueva esposa y él mismo.

En 1879 Satie entró al conservatorio de París, donde sus maestros le etiquetaron como falto de talento. Tras ser enviado a su casa, dos años y medio más tarde volvió a ser aceptado en el conservatorio, al final de 1885, pero no logró causar mejor impresión a sus maestros, así que finalmente resolvió partir al servicio militar un año después. Esto no duró mucho; en unas pocas semanas salió del ejército mediante un ardid.

En 1887 dejó su casa para alojarse en Montmartre. En ese tiempo comenzó lo que sería una amistad de toda la vida con el poeta romántico Patrice Contamine y a través de su padre publicó sus primeras composiciones. Pronto se integró con la clientela artística del café-cabaret Le Chat Noir, y comenzó a publicar sus Gimnopedias. Siguieron las Ogives, las Gnossiennes, etc. En el mismo período conoció a Claude Debussy. En 1891 se convirtió en el compositor oficial y maestro de capilla de la orden rosacruz liderada por Joséphin Péladan, la Ordre de la Rose-Croix Catholique, du Temple et du Graal. Compuso para ella piezas de inspiración mística, como Salut Drapeau!, Le Fils des étoiles, y Sonneries de la Rose Croix.

Van Gogh tuvo numerosas dificultades para encontrar modelos femeninos que posaran para él. Su búsqueda no siempre estaba motivada estrictamente por razones artísticas. Como él mismo dijo alguna vez "Las figuras femeninas que veo aquí entre la gente me producen una fuerte impresión; preferiría ser capaz de pintarlas que de poseerlas, aunque en realidad desearía poder hacer ambas cosas".

Se dice que Van Gogh cumplio su deseo con la persona de este cuadro. La italiana es Agostina Segatori, con quien se cree que Van Gogb tuvo una aventura. El artista le escribió a su hermana que, durante su estancia en París, tuvo muchas aventuras amorosas imposibles e improbables, de las que normalmente salió perjudicado y avergonzado. No podemos estar seguros de que fuera así también en el caso de Agostina, pero ella era la dueña de un café frecuentado a menudo por Van Gogh y sus amigos, y que ambos intimaron a base de intercambiar pinturas por comidas.

Hablando por otra parte de la pintura en cuanto a el estilísmo, esta obra constituye una curiosa mezcla de dos influencias: las sencillas imágenes impresas en color que gozaban de popularidad en aquella época, y los grabados japoneses recién llegados al país, mucho más infrecuentes y refinados. De todo ello surgió uno de los henzos más pretenciosos de los que realizó Van Gogh durante su estancia en París. La figura está enmarcada en dos de sus lados por rojos y verdes complementarios que incrementa el efecto plano y decorativo de la pintura. La flor que sostiene la mujer es un símbolo tradicional de fe y esperanza. La aventura de Vincent con Agostina fue de corta duración, y es posible que este retrato se pintara con carácter retrospectivo.

Los girasoles es la pintura con la que mas asocian a Van Gogh, aunque al artista no empezaron a interesarle para su obra esto lo demuestra la fecha tan tardía como 1887. Paradójicamente, tal vez ese interés se despertó cuando dejó el campo para irse a vivir a París. Con todo, podría decirse que Van Gogh retornaba a la naturaleza esto se debe también a su influencia coetánea: la de Adolphe Mouticelh. Este artista originario de Provenza fue muy celebrado en la capital francesa durante la década de 1860. Su obra se caracterizaba por gruesas superficies pintadas según la técnica del impasto y por colores puros, tecnica que utilizo Van Gogh para esta pintura, algo que impresiono tanto al artista que llegó a sentir una veneración por Mouticelli. Viucent lo conoció personalmente en París y ese encuentro despertó en él el deseo de trasladarse al sur, donde llevó a cabo precisamente las versiones «al vivo» más famosas de los girasoles.

La tendencia de Van Gogh a mirar hacia el pasado en busca de inspiración ha llevado a algunos críticos a comparar Cuatro girasoles cortados con las naturalezas muertas holandesas del siglo XIX y especialmente con el tema de la carutos (la flor), muy popular en aquel entonces. Sin embargo, en 1887 tal vez prevalecieran en la mente del artista las artes decorativas populares, en las que el girasol constituía un motivo recurrente.

Van Gogh llega a París en 1886, buscando un mundo político, cultural y artístico que muy poco tenía que ver con lo que se encontró. Su experiencia anterior lo había puesto en contacto con una realidad social que lo llevaba a identificarse con los principios de 1848, sintiéndose cercano al contexto revolucionario que se vivió en Francia durante ese momento histórico, y también inclinado por los pintores que consideraba sus indudables referentes: Deumier, Courbet, y sobre todo Mollet. Pero la situación en París en 1886 era muy diferente a las aspiraciones de Van Gogh. Políticamente ya se había vivido el fracaso de la Comuna de París 1870. Ese intento por llevar a la practica las ideas hasta ahora teóricas del socialismo, sólo duró dos meses dejando profunda huella en el proceso anterior.

Con esta obra Van Gogh muestra un nuevo tipo de retrato. Este retrato fue punto de partida para la galería de retratos de Arlés. El retrato aún es arcaico por la visión frontal. Se ha sustituido el fondo neutro típico del siglo XIX, por el abigarrado, repleto de ilustraciones del arte japonés, por el que el autor sentía especial debilidad. La pincelada es autónoma y radial.. Toma como centro el entrecejo, la pincelada se enrosca y quedan toques sueltos sin fundir. Es audaz el que la figura esté delimitada por un trazo rojo, lo que supone la recuperación de la imagen después del efecto difuminado del Impresionismo.

El personaje representado es un modesto comerciante de materiales, cuya trastienda se convirtió en lugar de tertulia, además en su escaparate se exponían obras. Es evidente cómo Van Gogh exalta la figura del amigo.

Algo que me pareció muy importante acerca de Van Gogh y lo que hacia y estudiaba para mejorar su arte, esto es algo que le escribe a su hermano Theo sobre lo que a aprendido sobre los japoneses: Si estudiamos el arte japonés, descubrimos un hombre que es innegablemente sabio, filósofo e inteligente, que gasta su tiempo -¿haciendo qué? ¿estudiando la distancia de la tierra hasta la luna? No! ¿Estudiando las políticas de Bismarck? No! Estudia… una simple brizna de hierba. Pero esta brizna de hierba lo lleva a dibujar todas las plantas – luego las estaciones, el gran espectáculo de los paisajes, finalmente animales, luego la figura humana. Esa es la manera como pasa su vida, y la vida es muy corta para hacerlo todo.

Veamos, ¿no es ésto prácticamente una religión. Lo que nos enseñan los japoneses tan sencillos y que viven en la naturaleza como si ellos mismos fueran flores?

Hablando también un poco del estilo que caracterizo este tiempo y estas obras podemos decir que fue en un principio, una actitud de los impresionistas que sentían una profunda aversión por toda pintura que fuese demasiado formal o trabajada. En ningún momento intentaron llevar al lienzo conceptos románticos como la profundidad, la soledad, o el misterio que daba la naturaleza, porque creían que la misión de una pintura consistía sobre todo en representar la naturaleza desde el punto de vista óptico exclusivamente. La tradicional ley de la mímesis sobre la imitación de la realidad, fue interpretada por ellos de una forma muy radical y lo que había sido criticado por la mayoría de las posturas estéticas del pasado acerca de la captación puramente aparente de la realidad, se convirtió en credo absoluto para el Impresionismo. La representación artística, según esto no debía intervenir la imaginación, ni la razón, su único objetivo era trasladar a la obra las impresiones impregnadas en los sentidos y en la retina.

Comedores de papas

Van Gogh retratara durante sus primeros años como artista la vida, el espacio o el paisaje, las figuras de los campesinos, de los trabajadores de la tierra, los telares o las minas, por eso manejaba colores oscuros, bituminosos, reflejo del mismo entorno y de esa miseria, algo que lo hiere agudamente.

Este cuadro representa a una familia de campesinos sentados en una mesa comiendo papas. Una de las características de la pintura es que utiliza colores violentos y exagera las líneas para conseguir una expresión más intensa del sufrimiento que significa pertenecer al proletariado francés. La familia, iluminada solamente por una lámpara de aceite, la cual lleva el significado de la esperanza, de surgir y salir de la extrema pobreza a la cual están sometidos. Esta pobreza se sintetiza en una casa con paredes que están por caerse, una sensación de tristeza que flota en la habitación. La mujer sentada a la derecha, sirviendo café, es la representante del papel de la mujer de esa época, tenia un papel secundario en la sociedad, pero que es el pilar de la familia de clase baja. El hombre sentado a la izquierda es el hijo, el cual, a pesar de su corta edad, ya sigue los pasos de su padre en el trabajo duro, siguiendo un círculo bastante común en la sociedad francesa. Las dos mujeres que están sentadas alrededor de la mesa son las hijas, las cuales están poco iluminadas, reflejando así su desencanto con la vida que llevan.

Un par de Zapatos

En esta obra el se situa en la época de escasez económica y la ausencia de modelos con que trabajar Vincent es asi como empleará sus objetos más personales como elementos de la composición, elaborando una amplia serie donde sus botas serán las protagonistas. De esta manera moderniza totalmente el bodegón, abandonando los objetos que se usaban tradicionalmente en el Barroco. Las dos viejas botas se sitúan en el suelo, tomando éste una tonalidad amarillenta por efecto del potente foco de luz que ilumina al par de zapatos, consumidos y desgastados, representados con una pincelada tremendamente suelta y empastada.

Los primeros cincuenta años del siglo XIX se encierran con tres procesos de importancia histórica: La Revolución de 1848, las transformaciones demográficas preparadas en el periodo anterior y la utilización de la metalurgia en la industria textil, a esto se une la inserción del continente en el proceso de modernización capitalista. Los tres procesos tuvieron múltiples consecuencias para el desarrollo de la sociedad Europea a lo largo de la segunda mitad del siglo XIX: En la política, en la economía, e n la mentalidades, en la cultura y en la vida cotidiana.

Van Gogh recogió en sus lienzos una serie de tejedores que nos ponen en contacto con el ambiente de la época. El pudo transmitir sensaciones como pocos pintores: contemplando sus cuadros tú como espectador nunca te sentirás indiferente. En un interior, claramente delimitado por las paredes en ángulo del fondo, muestra a un tejedor enfrascado en su labor. El enorme telar de madera ocupa casi toda la estancia, haciendo diminuto al hombrecillo que hace su labor. Aplica tonos con una pincelada muy peculiar. Siempre observarás hacia dónde va el pincel, sin preocuparle el refinamiento. El colorido es oscuro, a pesar de encontrar un cierto aclarado en la paleta del artista al introducir tonos blancos, ocres y naranjas. Pero queriendo siempre mostrar el duro mundo los obreros, campesinos y mineros.

La Pintura en el siglo XIX planteo en mi, nuevos cuestionamientos y algunas indecisiones porque fue una época cargada de muchos conocimientos y situaciones, se presentaban nuevas visiones del universo y de la vida que se fueron transformando, tal vez por la aceleración de los descubrimientos o por la reacción a sistemas de pensamiento y políticos.

Mi Artista Invitado es Vincent Van Gogh, un artista que no me tomo mucho tiempo reconocerlo, pero creo que aprendí un poco mas de el y de cómo fue su vida en esa época y como lo afecto tanto en su vida como en su arte, un arte al cual le estaban presentado nuevas teorías sobre la luz y el color que eran asumidas por los impresionistas como una forma de revolucionar al arte y le dieron gran importancia dándole a la luz el papel principal en la obra.

Vincent Van Gogh fue el mayor de su casa y su padre fue un pastor protestante, mantuvo una estrecha relacion con su hermano Theo que era menos que el cuatro años, esta relcion marco gran parte de su vida y fue muy importante para su existencia como en su arte, su relacion se mantenia mas que todo por correspondescia, la cual evidencia su intensa relacion.